Marco teórico

Para comenzar con este trabajo de investigación, convendría definir qué son los VFX y que función cumplen en el audiovisual.

Las siglas VFX hacen referencia a los visual effects, en español, efectos visuales. Los efectos visuales forman parte del proceso de la postproducción audiovisual. Como su propio nombre indica, son los diferentes efectos o técnicas desarrolladas a través de ordenadores para generar nuevas imágenes a través de la integración de partículas, personajes, escenarios, etc.

Es cada vez más frecuente encontrar VFX en cualquier producción audiovisual, especialmente en las grandes producciones. La cada vez más evidente y abundante utilización de estos recursos, tiene que ver con el importante desarrollo tecnológico que ha tenido y sigue teniendo el siglo XXI. Ya no solo las grandes productoras son capaces de realizar efectos de gran espectacularidad, sino que, gracias a la democratización tecnológica, tanto de hardware como de software, los espectadores, que ahora también productores (figura del prosumidor), pueden realizar todo tipo de efectos visuales desde el ordenador de su casa.

A continuación, diferenciaremos los efectos visuales (VFX) de los efectos especiales (FX), términos que, a pesar de guardar estrecha relación, difieren en su contenido, aunque la gran mayoría de la población confunde.

De una manera rápida y precisa, podríamos establecer la siguiente dicotomía: los efectos visuales son todos los efectos generados digitalmente y los efectos especiales los que no. Ahora bien, ambos persiguen un objetivo común: la creación de elementos, físicos o digitales, con el fin de ser integrados en la producción final dando una completa sensación de realismo. El espectador tiene que creer que todo lo que ve en pantalla está ocurriendo de verdad.

Los efectos visuales son realizados durante la fase de postproducción y los efectos especiales durante la fase de rodaje.

Partiendo de esta premisa, encontramos un elemento que juega un papel fundamental en los efectos visuales. Estamos hablando de las imágenes generadas por ordenador, comúnmente conocidas por sus siglas en inglés: Computer-Generated Imagery, CGI.

La llegada del CGI a la industria ha sido un punto de inflexión en cuanto a la postproducción se refiere. Ya no solo se realizan labores de montaje básico en esta etapa de la producción audiovisual, sino que ahora se realizan todos aquellos efectos que antiguamente se realizaban de manera manual. El CGI es la piedra angular de los efectos visuales. Todo, o casi todo, parte de aquí.

Para encontrar las primeras imágenes generadas por ordenador hay que remontarse al año 1973, con Westworld (1973), de Michael Crichton. Sin embargo, no fue hasta el año 1990 con Desafío total (1990) de Paul Verhoeven, cuando veríamos una implementación total de esta tecnología. En este filme se registraron movimientos de actores con el fin de transferirlos posteriormente a modelos 3D generados por ordenador (Muñoz de Frutos, 2017).

Posteriormente hablaremos acerca de 3 directores que consideramos fundamentales para entender tanto los efectos visuales como los efectos especiales. Y es que, sin estos últimos, no podríamos hablar de VFX.

La creación a nuestro antojo de modelos 3D cada vez más realistas (prácticamente es imposible diferenciar un elemento CGI de un elemento real) puede no solo traer ventajas como la fácil consecución de potentes y espectaculares efectos o el abaratamiento de presupuestos, sino que también trae consigo un lado negativo.

Con este lado negativo queremos referirnos al plano moral. Con los avances tecnológicos ha sido posible volver a traer a la pantalla a personas ya fallecidas. Ejemplos de esto son la “resurrección” de Carrie Fisher en el Episodio VIII de Star Wars, o el anuncio de Cruzcampo con Lola Flores. ¿Hasta qué punto es ético y moral utilizar la imagen de personas fallecidas con él fin de atraer audiencia y conseguir un producto más atractivo jugando con el factor emocional del público?

Otro elemento controversial de la utilización del CGI ha sido el rejuvenecimiento de actores. Ejemplo de esto es El irlandés (2019) de Martin Scorsese. Aquí no entra en juego la moralidad ni la ética, sino el sentido común. Más allá de cualquier avance tecnológico capaz de lograr resultados hiperrealistas, ¿se puede conseguir un resultado natural? ¿Podemos engañar a la mente de quienes han conocido la verdadera juventud de estos actores rejuvenecidos digitalmente?

La utilización del CGI en cada vez más filmes, se contrapone al puro cine fotográfico, al cine que plasmaba la realidad fotoquímicamente, ya que combina elementos del cine de animación mostrando una realidad que no existe añadiendo elementos externos al fotográfico (Sánchez Noriega, 2018).

Para remontarnos al inicio de los efectos, tanto especiales como visuales, tenemos que remontarnos al año 1895 con Alfred Clarke.

Alfred Clarke fue un director norteamericano nacido en el año 1873. Gran parte de su reconocimiento se debe a su pionerismo en diferentes aspectos en el ámbito cinematográfico. Uno de sus avances fue en el ámbito de los efectos especiales.

En su película La ejecución de María, reina de Escocia (1895), Alfred Clark utiliza una técnica denominada stop trick. Para grabar grabar una decapitación, el director para la grabación cuando el verdugo tiene el hacha en el cuello del actor. Cambia al actor por un muñeco y al reanudar la grabación, el verdugo puede cortar la cabeza del muñeco simulando una decapitación real. (López de Andrés, 2017).

Posteriormente, también George Méliès descubrió la técnica del stop trick de manera inintencionada. Al detenerse su grabación y reanudarla, se dio cuenta de que los elementos que se encontraban en la primera toma parecían transformados en otros completamente diferentes en la segunda.

Con la aparición del color, se popularizó el uso de técnicas como el matte-painting o stop motions. Sin embargo, el punto de inflexión en la utilización de efectos tiene lugar con la llegada del género de ciencia ficción al cine.

La ciencia ficción es un género narrativo que sitúa la acción en unas coordenadas espaciotemporales imaginarias y diferentes a las nuestras, y que especula racionalmente sobre posibles avances científicos o sociales y su impacto en la sociedad (Biblioteca Nacional de España, s.f.).

Atendiendo a la definición del género, resulta evidente el estrecho lazo que existe entre la ciencia ficción y los efectos visuales o efectos especiales. Sería imposible la consecución de los escenarios requeridos por dicho género, así como responder correctamente a las demandas de cada una de las historias dentro de la ciencia ficción, si no fuera por estos efectos.

Ya son muchos los teóricos que han reflexionado acerca de la ciencia ficción y los efectos visuales o especiales, y sobre cómo el género ha convertido en su eje central el desarrollo de la tecnología cinematográfica.

El género se encuentra cada vez más centrado en el desarrollo tecnológico dentro de la historia, que quizás de la propia historia. Partiendo de esta premisa podemos encontrar opiniones dispares. Annette Kuhn defiende la idea de que los filmes de ciencia ficción no deberían articular su trama alrededor de únicamente el espectáculo tecnológico y mundos futuristas y espectaculares. (Kuhn, s.f, como citado en Abbott, 2006). Kuhn aboga por encontrar un equilibrio entre espectacularidad y mensaje. Sin embargo, autores como Brooks Landon, aseguran que en la ciencia ficción la narrativa del filme no importa siempre y cuando la representación tecnológica y futurista se encuentre presente (Landon, s.f, como citado en Abbott, 2006).

George Méliès fue un cineasta francés innovador en el ámbito de los efectos especiales. Utilizaba técnicas como múltiples exposiciones, stop motions, cámara rápida, etc. Además, desarrolló técnicas para crear la ilusión de desapariciones, apariciones, y de manipulación del tamaño y la forma de objetos y personajes en la pantalla (Wikipedia, 2023).

Son múltiples las películas en las que el director francés dejó clara su capacidad de innovación técnica y de manejo de efectos especiales. La película más reconocida de Méliès es Viaje a la luna (1902). En este filme se muestra como un cohete espacial aterriza en la luna la cual se encuentra habitada por extraterrestres. Hacer una película así en el año 1902 es sin ninguna duda un hito tecnológico para la época. En este filme, el director utilizó diferentes técnicas como la superposición para simular el aterrizaje del cohete en la luna. Además, el movimiento del cohete fue hecho con stop motion.

En resumen, Georges Méliès fue un pionero en el uso de efectos especiales en el cine. Puede ser considerado como el inventor de los efectos especiales, ya que, aunque Alfred Clarke desarrollara la técnica del stop trick con anterioridad, Méliès dejó un enorme legado de múltiples efectos en sus filmes. Sin George Méliès los efectos visuales o los efectos especiales no serían lo que serían hoy en día.

Stanley Kubrick fue un cineasta norteamericano nacionalizado británico. Es uno de los cineastas más influyentes de la historia. Lo caracterizaba un meticuloso enfoque y un gran perfeccionismo a la hora de elaborar sus filmes. También hizo una gran aportación a los efectos especiales.

Kubrick utilizó efectos en películas como Eyes Wide Shut (1999) o El resplandor (1980), pero su obra más destacable en cuanto a efectos se refiere, es 2001: Una odisea del espacio (1968).

Si hablamos de Méliès como un referente en la innovación tecnológica del cine, Stanley Kubrick no puede ser menos. Quizás no fue tan determinante el campo de los efectos especiales o visuales como sí lo fue el director francés o como sí lo han sido otros directores, pero merece una mención por 2001: Una odisea del espacio (1968). Esta película fue una revolución para la época visualmente hablando. Las maquetas de la nave, dotadas de un realismo extremo, brindaron al público de los años 60 unas imágenes inimaginables hasta entonces (Altur, 2016).

George Lucas es un director estadounidense conocido principalmente por ser el creador de la famosa saga de ciencia ficción Star Wars.

Salta a la vista que toda la saga de Star Wars cuenta con una enorme cantidad de efectos visuales y especiales.

Es destacable el interés que tenía George Lucas en los efectos visuales, ya que él mismo fundó la empresa ILM, Industrial Light & Magic, en el año 1975. George Lucas quería conseguir efectos visuales nunca vistos en la gran pantalla. Así lo hizo con la primera entrega de su obra magna Star wars: Episode IV. A New Hope (1977).

La aportación de George Lucas a los VFX no queda aquí. Durante el desarrollo de la siguiente entrega de la saga Star Wars, ILM sufrió un cambio estructural por parte de su fundador. Desde ese momento la empresa comenzó a desarrollar efectos visuales para multitud de grandes películas. Además, comenzaron a introducirse en el mundo del CGI y la animación. Esto último dio lugar a que, tras una venta de este departamento a Steve Jobs, desarrollaran la primera película de animación por ordenador de la historia, Toy Story (1995) (Wikipedia, 2023).

En definitiva, George Lucas no solo ha creado una de las sagas más famosas de ciencia ficción de la historia (si no la que más), género que como ya hemos mencionado se encuentra estrechamente vinculado a la utilización de efectos visuales, sino que además fue el fundador de unas de las empresas pioneras en este campo, contribuyendo a la producción de efectos visuales en multitud de entregas, y que a día de hoy sigue en funcionamiento.

James Cameron es un cineasta candiense que se introdujo en la industria cinematográfica como técnico de efectos especiales. Quizás este hecho tenga relación con el tipo de películas que ha realizado durante su carrera. Y es que James Cameron tiene un legado de filmes que 6 son considerados referentes en el campo de los efectos especiales y efectos visuales: The Terminator (1984), Aliens: El regreso (1986), Avatar (2009), etc.

Junto a Cameron es importante destacar a Stan Winston, técnico de efectos especiales ganador de varios óscars gracias a su trabajo en múltiples películas, entre ellas muchas del director candiense o, por ejemplo, Parque Jurásico (1993).

Ambos fundaron juntos la compañía de efectos digitales Digital Domain, empresa que, aún tras la muerte de Winston en 2008, siguió produciendo efectos visuales en películas que podrían considerarse a día de hoy, referentes en cuanto a efectos visuales se refiere en el cine del siglo XXI: Iron Man (2008), Indiana Jones: El reino de la calavera de cristal (2008), Avatar (2009), etc. (López de Andrés, 2017).

Como se ha mencionado en múltiples ocasiones, los efectos visuales son todos aquellos efectos que se realizan de manera digital. Con los efectos visuales se pueden lograr diferentes tipos de objetivos y existen una gran variedad de técnicas para conseguir diferentes fines. A continuación, hablaremos de diferentes técnicas y categorías.

• Morphing

El morphing es una técnica que se utiliza con el fin de crear una transición fluida y de manera realista entre dos elementos diferentes. Normalmente se realizan con objetos o personas similares para que la transformación sea lo más natural posible.

• CGI

Como ya vimos antes, el CGI es una parte fundamental en el campo de los efectos visuales. El CGI, Computer-generated imagery, permite crear cualquier elemento deseado en 3D, ya sean escenarios, personajes, trajes, máscaras, armas, monstruos, dragones, etc, con el fin de ser integrados en una escena final de una manera realista a ojos del público.
El CGI ha posibilitado que la imaginación de los creadores deje de tener límites: con un ordenador es posible crear cualquier tipo de elemento 3D, y además, sin la necesidad de contar con apenas presupuesto. Esto permite poder dejar de utilizar grandes y costosas maquetas, abaratando los costes y ahorrando tiempo en producción.

• Chroma Key

El chroma key es la “utilización de color para cubrir o remplazar partes de video o de película con el objeto de añadir imágenes en la postproducción.” (Chong, 2010, p. 161) Principalmente se utilizan fondos verdes o fondos azules. Se utiliza con múltiples fines, ya sea disfrazar a un actor entero de color verde/azul para sustituirlo posteriormente en postproducción por un modelo generado por CGI, utilizar un panel de color verde/azul con el fin de sustituirlo por otro fondo distinto, etc.
En muchas ocasiones donde se necesitan escenarios muy caros o imposibles de construir, se rueda toda la acción de los personajes en un fondo verde para posteriormente integrar el escenario a través de la utilización de diferentes softwares.

• Matte painting

El matte painting es una técnica que se utiliza desde el principio de la historia del cine. Antiguamente se realizaba a mano con el uso de pinturas y superposiciones jugando con la cámara, y hoy día se realiza de manera digital.
Se utiliza para recrear escenarios imaginarios o cualquier tipo de mundo e integrarlos de manera realista en la película. Se generan tanto imágenes fijas como imágenes en movimiento a través de softwares como Adobe Photoshop o Adobe After Effects. Si la imagen está en movimiento es necesario rastrear varios puntos de trackeo para hacerlos coincidir con el movimiento de la cámara y quede perfectamente integrado.

• Color grading

El color grading es una técnica que consiste en corregir el color del material rodado. Esta corrección puede ser realizada con diferentes fines, ya sea conseguir una homogeneidad en todo el audiovisual ajustando el brillo, contraste, tono y demás atributos, o con el objetivo de conseguir una estética determinada, crear diferentes atmósferas, mostrar estados de ánimo, etc.
Aunque se pueden realizar correcciones de manera automática, lo ideal es realizarlo de manera manual para tener todo el control de la estética que se desea conseguir.
Es un proceso que puede parecer sencillo, pero lejos de serlo es una de las partes más importantes de la postproducción para conseguir un producto de calidad.

• Rotoscopia

La rotoscopia es una técnica de VFX que se utiliza para separar elementos de su fondo original ya sea en imagen o en video. Existen herramientas que realizan esta técnica de manera automática, ya que realizarlo de manera manual es una ardua tarea debido a que debes recortar el contorno del elemento deseado fotograma por fotograma. Sin embargo, para obtener un resultado profesional es aconsejable realizarlo manualmente y no depender del proceso automático de cualquier software, lo que podría conllevar fallos.
La rotoscopia puede utilizarse para integrar elementos en escenas nuevas o para eliminar elementos indeseados de otras.

• Matchmoving

El matchmoving o rastreo de movimiento es una técnica relacionada con la rotoscopia y con el trackeo de cámara. Sin esta técnica no podría integrarse ningún elemento creado por CGI ni ningún elemento externo. Para que la integración de los elementos en cualquier escena resulte realista, una cámara virtual debe realizar el mismo movimiento que el que realizó la cámara que filmó la secuencia. Este proceso en el que se busca conseguir que ambas cámaras realicen el mismo movimiento se conoce como match moving.

En la industria de los efectos visuales, se emplean una multitud de programas con diferentes fines cada uno, pero con un objetivo común: conseguir un producto audiovisual final que parezca que ha sido filmado con una única cámara. El trabajo del equipo encargado de los VFX de una película será un trabajo bien hecho cuando no se note que han trabajado. Si el espectador nota que hay un equipo integrando elementos, corrigiendo el color, eliminando objetos, etc., el trabajo estará mal hecho.
A continuación, hablaremos de los softwares más populares y utilizados en la industria, tanto por grandes estudios encargados de realizar grandes producciones, como por pequeños estudios o incluso por particulares desde el escritorio de su habitación.

• After Effects

After Effects es un programa del paquete de Adobe. Su principal función es crear animaciones tanto en 2D como en 3D. Es una potente herramienta para componer escenas e integrar elementos externos, realizar rotoscopias, match moving, etc. Además, al formar parte de la suite de Adobe, permite trabajar con facilidad conjunto a otros programas de Adobe, como Premiere Pro o Photoshop.
Destaca su uso en creación y animación de rótulos, cortinas, y motion graphics.
Aunque es un software a priori complejo, acaba resultando sencillo gracias a su forma de trabajo con capas, similares a las de programas de edición lineal como Premiere Pro, Final Cut o DaVinci.

• Nuke

Nuke es un software de composición digital desarrollado por The Foundry. Es cada vez más utilizado en la industria debido a que se trata de una herramienta muy potente. A diferencia de After Effects, Nuke trabaja con nodos, por lo que puede resultar complejo si no estás familiarizado con este método de trabajo.
Nuke permite trabajar con una gran cantidad de datos (imágenes y video). También permite realizar rotoscopias, color grading, máscaras, match moving, etc. Además, cuenta con un gran soporte para la instalación de diferentes plugins para que los usuarios personalicen y añadan funciones a su antojo.
Es un software de gran nivel y que utilizan las producciones más grandes de la industria, ya que permite lograr resultados impresionantes de gran calidad.

• Unreal Engine

Unreal Engine es un motor de videojuegos desarrollado por la compañía Epic Games. Ha pasado de utilizarse únicamente en videojuegos a utilizarse de igual manera en la industria cinematográfica y televisiva. Es una herramienta muy potente que permite generar escenarios, personajes y demás efectos e integrarlos en tiempo real. Un ejemplo de esto sería la serie The Mandalorian (2019).

• Houdini FX

Houdini FX es un software desarrollado por SideFX. Es el software líder en la pura creación de elementos y efectos 3D en la industria cinematográfica. Cualquier gran producción que requiera de efectos visuales, cuenta con elementos creados en Houdini FX.
Cuenta con herramientas avanzadas para el modelaje de personajes, creación de todo tipo de efectos (explosiones, fluidos, magia, simulaciones de partículas, destrucciones, multitudes, etc.).
Al igual que Nuke, también funciona con nodos y cuenta con una curva de aprendizaje bastante grande. Requiere además de conocimientos de programación y sistemas procedurales para crear efectos.

• Autodesk Maya 3D

Autodesk Maya es uno de los softwares más completos para la producción de animación 3D, especialmente para la creación de personajes.
Se pueden crear todo tipos de efectos 3D en este programa, como fluidos, explosiones, diferentes fenómenos físicos, etc.

• Blender

Blender es un software de producción 3D gratuito y de código abierto. Esto lo diferencia de la competencia. Pese a ser gratuita cuenta con una potencia digna de cualquier software de pago. Se pueden crear todo tipo de elementos en Blender, animar personajes, iluminar, texturizar, trackeo de movimiento, etc.
Además, Blender cuenta con una interfaz de usuario muy intuitiva y una curva de aprendizaje no tan grande como la de otros programas.